Szerelem szerelem

Gold, Silver or Love

Hidegen Fújnak a Szelek

BULGARIAN MELODY

Tavasz Tavasz

Hindi Lullabye

Bújdosódal

Vetettem violát

Devoiko Mome

Márta Sebestyén

Márta Sebestyén ( Budapest, 19 de agosto de 1957) es una de las principales voces de la música folclórica de Hungría. Ha trabajado durante más de 25 años con la banda de música tradicional Muzsikás, y también en otros muchos proyectos, que le hicieron famosa más allá de los límites de su tierra. Participó en una ópera rock en años 80, y consiguió un Oscar por la banda sonora de la película “El paciente inglés”. No solamente ha preservado y reavivado la música húngara que se estaba perdiendo, sino también a sentir un orgullo magyar, un revulsivo contra la dominación soviética.

Marta creció entre canciones en húngaro que ella oía en casa a su madre, Ilona Farkas, una etnomusicóloga que estudió con el compositor Zoltán Kodály, quien al igual que Béla Bártok había recopilado miles de canciones populares, muchas de Transilvania donde sobrevivieron las expresiones más puras del folclore húngaro. De los viajes de su madre, y de los suyos propios, a pueblos y aldeas de Transilvania le quedó un profundo recuerdo.

Fue la inspiración para las nuevas generaciones de la música folk, y durante los años 90 era corriente observar en Budapest a los jóvenes bailar las danzas tradicionales, o en los cafés y salones y bailes.

Su álbum “Puedo ver las puertas del cielo”, quizás sea uno de sus discos más personales y distintivos, con una magnífica interpretación de la música de Hungría, canciones tanto religiosas como seculares. Una de estas canciones, la oración que cierra el disco, melodía utilizada en la liturgia, fue el himno que cantó Márta en el funeral de su padre en la pequeña iglesia de su aldea natal, Csempeskopács, en la parte occidental del país. “Ahí es donde quiso ser enterrado, y que podía decirle las últimas palabras con esta canción. Para nosotros era muco más que una canción”.

Muzsikás (músicos del pueblo) se convirtieron con el tiempo en referentes indispensables de la música húngara. Su disco The Bartók Album (1999), con Sebestyén y Alexander Balanescu, es un homenaje al compositor que recorría los Cárpatos con unos cuadernos en los que transcribía las melodías. En Kismet (1996), que firma Márta Sebestyén con arreglos de Nikola Parov, hay canciones rusas, griegas, búlgaras. Hindi Lullabye pone de relieve, por su parte, la conexión entre la India y los gitanos de Rumania.
Fuentes:

http://www.spinner.com/2010/01/12/the-voice-of-hungary-marta-sebestyen-finds-even-deeper-meaning/

Wikipedia

ANDUNI (Sin hogar)

ARMENIAN HOLY MASS

Hov Areq Sarer Jan

SHUSHIKI

Soulshine

Midnight Rider

Blue Sky

Whipping Post – Fillmore East – 09/23/1970

Dreams

In Memory of Elizabeth Reed – 1970

Statesboro Blues

Melissa

Into the Grove,

composición de Robert Linton con  Eugene Friesen al violonchelo

Fuimos

con Mili Bermejo, voz, y Tim Ray al piano

Metaphysical soup

de Jim Matheos; violonchelo: Eugene Friesen

Love Dogs,

Poema de Rumi, leído por Coleman Barks

The Poetry of Kabir

leído por Robert Bly

Chaos,

de Matt Millecchia

Along the Fenway, parte 1

con Laura Siersema, voz

Along the Fenway, Parte 2

Icarus,

con el Paul Winter Consort

Eugene Friesen

El violonchelista Eugene Friesen ha formado parte del Paul Winter Consort desde 1978, realizando multitud de interpretaciones en directo, creando una voz diferente entre los violonchelistas. En sus manos el violonchelo se libera del cerrado campo de la música clásica y emerge como un instrumento con gran poder de expresión.

Friesen, hijo de emigrantes rusos nacido en Kansas en 1952, destacó de pequeño con el violonchelo más que con el piano en su educación clásica, y tras las lógicas influencias juveniles del rock se dejó seducir por el jazz y las músicas del mundo para construir un mundo propio en base al violonchelo, un lenguaje musical no sólo agradable sino definitivamente vital, que puso en práctica en trabajos en solitario tan interesantes como “Arms around you”.

Basándose en las grandes obras clásicas de la música occidental, con influencias de la música popular y étnica, Eugene utiliza el violonchelo para crear una música muy personal.

Fue en 1973 cuando se reunió por primera vez con Paul Winter en un taller de música. Quedó Paul tan impresionado de este joven chelista que cinco años después, ya graduado en la Yale School of Music, fue invitado a formar parte de su Consort. Desde entonces ha estado en continua gira y grabando discos con el Paul Winter Consort, con el que ganó un Grammy en 1994 y otro en 1995, y ha grabado varios discos para el sello Winter’s Living Music.

Ha dado conciertos por toda Europa, Japón, Brasil, Estados Unidos y Canadá. Su “Réquiem por la Tierra” se estrenó en la Universidad de Connecticut en 1991, y donde hace una denuncia de los daños causados a los ecosistemas terrestres.

Es regularmente invitado a dar conferencias y participar en simposios internacionales, animando a los jóvenes a crear su propia música.

El primer disco en solitario de Eugene Friesen, “New friend”, se nutría de improvisaciones entre jazz y música de cámara grabadas junto a Paul Halley en la catedral de Nueva York, en la que este último era organista. Tres años después, “Arms around you” es un trabajo más amplio de influencias y colaboraciones. En él, este instrumento de cuerda frotada que en el siglo XX había vuelto a cobrar protagonismo gracias a intérpretes como Pau Casals o Rostropovich, tiene su momento de importancia también en las Nuevas Músicas, de mano de este intérprete que, de pequeño, “soñaba con hacer algún día algo salvaje, hermoso, personal y único con el chelo”. Aunque le falte un poco de profundidad (creo que la esencia de Friesen se disfruta realmente en directo, tanto con partitura como improvisando), posiblemente lo consiguiera con “Arms around you”.
“Nunca antes he visto a un músico tocar el violonchelo con tanta furia y virtuosismo. Un torbellino … increíble.” (El Heraldo de Aragón, España)

Fuentes: http://solsticiodeinvierno.blogspot.com/2008/04/eugene-friesen-arms-around-you.html

L’Ange Aveugle (El ángel ciego)

Wind and Shadows

Saaba

MIEL ET CENDRES

Suraj

A Kind of LOVE

Woodtalk

Yabay

Dhafer Youssef Quartet

Dhafer Youssef – Vocal & Oud / Tigran HAMASYAN – Piano / Chris Jennings – bajo / Mark Guiliana – Batería

El cantante e intérprete de oud inspirado en la música tunecina, emigró a Viena y París, Dhafer Youssef crea una música poética y profunda, que se mueve dentro del jazz y de la música electrónica sufí.

Nació en una pequeña ciudad costera de Túnez en el año 1970. Un niño que camina por la playa en una costa desierta buscando lo que el azar le ofrezca: una red rota para pescar, latas de sardina desechadas; radios de bicicletas viejas. Su corazón y su mente están llenas de música y de juegos. Entre tanto, su padre se las ingenia para hacer la comida para él y sus siete hermanos. No disponen de dinero para clases de música y mucho menos para comprar un instrumento. Así que Dhafer hace su propio oud, el laúd tradicional oriental, utilizando todo lo que puede encontrar.

Sólo hay que escuchar el primer minuto del hermoso álbum “Digital Prophecy” para sentir la pasión de esta música. Aquel pequeño nacido en una pequeña ciudad de Túnez sigue vivo.

El joven Dhafer hizo lo que se esperaba de él: prendió en la escuela coránica tradicional, pero al mismo tiempo escuchaba música en la radio, la única fuente de entretenimiento en la ciudad. “Todo era música, era todo lo que sabía”, dice Dhafer. “Yo no sabía lo que era la música clásica de jazz. Sólo música” Con su oud de fabricación casera aprendió a tocar de oído.

Un día, un amigo volvió de un viaje con una guitarra eléctrica, un juguete para su sobrino. Le pidió prestado el juguete durante una semana, al mismo tiempo que anhelaba tener en sus manos el instrumento que necesitaba. Cuando mi amigo me dejó la guitarra “ estuve varios días sin dormir, el tiempo era demasiado valioso.”

Empezó a ganar algo de dinero cantando en bodas, lo que le permitió ahorrar para comprarse el oud, por un precio equivalente a los 100 euros. Esto fue muy mal visto por amigos y familiares: “ Dios te ha dado voz, tienes que cantar”.

Pero Dhafer se había enamorado del sonido del instrumento. Era el sonido de sus raíces, del país que le vio nacer. “Si yo hubiera nacido en África habría sido percusionista. En Nueva York, saxofonista, Pero nací en Túnez, así que toco el oud. Si hubiera sido criado cerca de un piano tal vez lo hubiera tocado, pero en realidad nunca vi un piano hasta que no fui a Viena cunado tenía 19 años.”

Viena le da la oportunidad de estudiar música. “Hice todo lo posible para ganar dinero. Lavaba platos, limpiaba ventanas, trabajé como camarero italiano, aunque no lo era. Hice de todo por la música. Pero por entonces no sabía leer una partitura. Escuché mucha música: jazz, clásica, cualquier cosa. Me encontré con un intérprete de viola llamado Tony Burger, que con paciencia me ayudó a escribir mi música, y tocábamos juntos durante horas. Luego me uní al percusionista Jatinder Thakur, que me introdujo en la música india. Este fue un gran descubrimiento, también me enamoré de su sonido. Parecía tan cerca de mi alma, que tocaba con él todos los días.”

“En Viena seguía trabajando para sobrevivir. Pero fue uno de los momentos más hermosos de mi vida. Fue un sueño hecho realidad: creaba mi propia música, dando vida a los colores de mi alma, tocando música para el teatro, con personas como el acordeonista Otto Lechner”.

“Me llegó una oportunidad increíble. El club de jazz Porgy&Bess de Viena me dio carta blanca para hacer lo que quisiera, una noche al mes durante doce meses. Un proyecto cada mes. Podía invitar a cualquier persona que yo quisiera para tocar conmigo. Así que pensé, ¿por qué no?. Y llamé a todos músicos que yo admiraba en el mundo: Iva Bittová, Peter Herbert, Renaud García Fons y Christian Muthpiel, entre otros”.

“Fue un gran éxito, e hice en nueve meses lo que no habría hecho en diez años. Hacía algo diferente cada mes y en cada concierto, y la gente me preguntaba acerca de esta música. A veces las cosas iban tan bien que una actuación de una noche no era suficiente y nos íbamos al estudio a grabar. Así surgió el primer álbum, “Malak”.

“Después de esta experiencia, pensé en volver a África en busca de mis raíces, pero después de un tiempo sentí que mi casa estaba en Europa. Enja quería otra grabación mía, así que nos fuimos a Nueva York por un tiempo y grabamos “Electric Sufi”, con un grupo en el que se encuentran Dieter Ilg, Markus Stockhausen y Doug Wimbish.”

El mundo está empezando a tomar nota de la cautivadora voz de Dhafer, la intensidad de sus interpretaciones, y pensó en la posibilidad de establecerse en Nueva York.

“Pero ocurrieron los sucesos del 11 de septiembre y pensé que mi lugar estaba en París”.

“Empecé a tocar más en Noruega. Nils Molvaer me invitó a tocar con él, y con el cantante Anneli Drecker”. Esto le llevaría a su tercer disco, “Digital Prophecy”. Es un disco muy espiritual, en el que se incorporan los paisajes escandinavos, el mundo de la música noruega, plasmado en la interpretación de Eivind Aarset a la guitarra, el batería Rune Arnesen, Bugge Wesseltoft a los teclados y Dieter Ilg al bajo. “Me encanta tocar con los músicos del Norte. Son más africanos que algunos africanos y son una fuente de inspiración para mí”.

La banda de Dhafer es una importante banda de jazz electrónico de Noruega. Eivind Aarset, uno de los mejores guitarristas del mundo, es muy conocido por los ambientes que crea. La banda se completó con el trompetista Arve Henriksen, cuya forma de tocar la trompeta y hacer sonar su voz, confunden a músicos y público por igual.

“Yo soy el único que no habla noruego”, dice Dhafer, “pero nuestros conciertos en conjunto es algo imprevisible sobre el escenario. Son seres humanos, sencillamente grandes, que compartimos la vida: viajes, una buena comida, las esperas, etc.”
Entre sus discos destaca “Malak” de 1998, “Electric Sufi”, de 2001, “Digital Prophecy”, de 2003 y “Divina Shadws” de 2006. Su último disco, “Abu Nawas Rhapsody”, es un regreso a las fuentes acústicas, para lo cual ha reunido a músicos como el pianista armenio Tigran HAMASYAN y al bajista canadiense Mark GULIANI.
Fiona Talkington – Periodista, DJ y presentador, Late Junction, BBC Radio 3

Parte 1/8

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Parte 4/8

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Parte 7/8

Parte 8/8

Sergéi Prokófiev: Iván el Terrible

(Chulaki)

Coreografía: Yuri Grigorovich. Música: Sergei Prokofiev. Intérpretes: Irek Mukhamedov, Natalya Bessmertnova, Gediminas Taranda. The Bolshoi Theatre Ballet. Dirección musical: Algis Zhuraitis. Children´s Choir of the Bolshoi Theatre & The Bolshoi Theatre Orchestra. Live, Bolshoi Theatre (1990).

En 1973, el compositor Mijail Chulaki y el coreógrafo Yuri Grigorovich, basándose en la película de Prokofiev, crean el ballet titulado Iván el Terrible, que se estrena en 1975. Se revisa el trabajo instrumental de la música de Prokofiev, que en el ballet resulta muy evocadora, incluyéndose arreglos de otras piezas musicales del compositor.

El ballet comienza con la coronación de Iván IV, que ya presenta conflictos desde el principio por su enfrentamiento a los boyardos. Si bien derrota a los tártaros, necesita de los boyardos para mantenerse en el trono. Su recuperación tras un periodo de enfermedad, Iván se reafirma en el trono.

En el Acto II, la esposa de Iván, Anastasia, es objeto de una conspiración por parte de los boyardos, que juegan con sus emociones cuando el anterior amor de Anastasia, el conde Kurbski, le presenta una copa que contiene veneno. Pero Kurbski tiene que huir a Polonia para refugiarse. Iván va consolidando su posición en el poder y asume el título de zar, la suprema autoridad Imperial de toda Rusia.

El guión por tanto, sigue la película de Eisenstein, se establece un nuevo contexto de la música de Prokofiev. Aunque hay un nuevo contexto, no se cambian las intenciones iniciales de Prokofiev, que que se utiliza para ilustrar la misma historia. En la creación de este pastiche, Chulaki adaptó la música del cine y eliminó las partes vocales, incorporando música instrumental de otras obras de Prokofiev. Sin embargo, es fiel a la partitura original de compositor. Se diferencia de otros pastiches del siglo XIX en que el sentido para el que fue creado la música cambia en el nuevo espectáculo creado. De hecho, son grandes los esfuerzos de Grigorovich para mostrar que la sugerente música de Prokofiev se adapta muy bien a la danza. Si bien las imágenes entre la película y el ballet so distintas, las asociaciones son eficaces. Es un claro ejemplo de como se puede adaptar una obra creada para un medio y trasladada a otro.

Uno de los pasajes más elocuentes del ballet es la descripción de los esfuerzos de Iván para el control del país, es la escena del “Oprichniks” del acto segundo. La coreografía de Grigorovich presenta el papel de Iván en su control mediante la policía secreta para el control, en última instancia, de los boyardos.

James L. Zychowicz
Madison, Wisconsin,

Zebra Crossing

Imbube

Miljoen

Visita al parque Kruger,

acompañada de un tema de Soweto String Quartet, de su disco Millenia

Victory,

de la película Invictus

http://209.85.229.132/search?q=cache:_YGt9SIs300J:afrocubanlatinjazz.blogspot.com/2009/12/soweto-string-quartet-zebra-crossing.html+soweto+string+quartet&cd=12&hl=es&ct=clnk&gl=es

XABIER REKALDE

MADRID.- La cultura de Sudáfrica es un revoltillo de colores, un pandemónium de modelos acarreados por pueblos visitantes que se quedaron y se disputaron la tierra que había sido de los khoi-san, o sea de los bosquimanos y hotentotes, a quienes arrinconaron en el Namib, Kalahari y los baldíos pedregosos de la zona noroccidental. Los zulú, xhosa, tswana, sotho, ingleses, boers e hindúes son los ciudadanos de hoy en la República de Mandela, junto a los muchos que han salido de todos los posibles cruces. Y cada grupo ha ido colocando su trazo en un ventanal desorientado que aún sigue sin definir, aglutinando como puede todos los elementos.

En la música también se nota el amasijo. «Somos una mezcla del primer y tercer mundo», dice Reuben Khemese, el chelista del Soweto String Quartet. «Somos mezcla, pero hemos perdido las raíces». Puede que sea el intento de recuperarlas un poco el que les conduzca a alimentar su repertorio con piezas kwela, mpaqanga o evocaciones rítmicas zulú, aunque se tratara ya en origen de corrientes mestizas, incrustadas de elementos jazzísticos, rockeros, del folclore europeo, del espiritual, y ahora del culto clásico.

«Es importante preservar esta música para las próximas generaciones, la de los 50 (kwela), la de los 60 (mpaqanga). Queremos capturar todas las formas musicales, porque lo que nosotros hacemos es una ensalada africana, música global».

La novedad de este grupo está en su propia formación: un cuarteto de cuerda que interpreta música popular y pertenece a una cultura que no ha utilizado violines para este menester, al contrario que los irlandeses o gitanos, chinos o árabes, y aunque en otras latitudes podamos encontrar un violín africano de características primarias. «Vivimos en una sociedad moderna -explican- y en ella hay violines. Mi tío fue el primer violinista de Soweto, estuvo en la Real Escuela de Música, y abrió una escuela de violines. Nosotros somos sus primeros alumnos».

El área cultural de la región austral africana ha sido la más afectada en sus contenidos, y anda reconstruyendo su identidad con los restos de las muchas que se amontonan, difusas, en su territorio. Será de aluvión la opción modernizadora, pero muchos pretenden recuperar los rasgos de cada uno de los grupos sociales.

Estos cuatro hombres insisten en explicar que las cosas están cambiando, y si antes pocos se atreverían a tocar un violín en las calles de un «township», ahora es diferente. «Tenemos un nuevo orden. Todo el país se está reconstruyendo». Y el papel que ellos se han asignado es muy ambicioso: «Somos los embajadores de la música africana en el mundo».

El Cuarteto de Cuerda de Soweto se ha curtido con el repertorio clásico, que sigue practicando «para no perder la técnica», pero ahora sus alegrías están producidas por los premios que les han entregado en su país y en Australia y por la aventura de su gira europea que, en noviembre, les acercará a la península. Mientras tanto aquí han dejado un álbum titulado Zebra Crossing, muy digestivo, de factura irregular y que recupera los ritmos de las poblaciones negras urbanas, hace incursiones poco felices en el funky y la bossa, revisa para el salón alguna pieza de la tradición zulú que nació para recordar la aventura unificadora de Shaka, y termina con el que fue himno del CNA, y ahora es uno de los oficiales en la República sin apartheid, Nkosi Sikeleli Africa.

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Intervienen: Paco Cumpián, Rafael R. Costa, Inma Marcos, Laura Díez del Corral con Pedro Mariné, Poni Micharvegas, Isabel Escudero, Alberto Pérez, Agustín García Calvo, Antonio Bueno Tubía, Mariano Marín, Ángel Ruiz y Rosa Jiménez.

Asisten: Rafael Sánchez Ferlosio y Demetria Chamorro, Jesús Munárriz y Maite Merodio, Joaquín LLedó y Magalí Berenguer, Julio Matín Casas, Juan Mantrana, Paco Almazán, Octavio Colis, Jacinto Pariente, Bárbara Zagora Cumpián, Maribel Ruíz, Cari Bueno Putter, Emily Putter, Hans Gärtner, Santiago Sánchez Torrado y Diana, Tino, Jose Mago y Marina Karschau, Mercedes Villén, Merce, Presen, Amelia, …

En la barra y la logística: Miguel, Jesús Guerrero y esposa.

Fotografía: Antonio Novillo y Antonio Ramírez (Ojoclick).

Parte 1/17

Presentación

Parte 2/17

Rafael R. Costa

Parte 3/17

Inma Marcos

Parte 4/17

Laura Díez del Corral

Parte 5/17

Poni Micharvegas

Parte 6/17

Isabel Escudero

Parte 7/17

Alberto Pérez

Parte 8/17

Agustín García Calvo

Parte 9/17

Agustín García Calvo

Parte 10/17

Antonio Bueno Tubía

Parte 11/17

Antonio Bueno Tubía y Paco Cumpián

Parte 12/17

Paco Cumpián

Parte 13/17

Mariano Marín y Ángel Ruiz

Parte 14/17

Mariano Marín, Ángel Ruiz y Rosa Jiménez

Parte 15/17

Mariano Marín, Ángel Ruiz y Rosa Jiménez

Parte 16/17

Mariano Marín, Ángel Ruiz y Rosa Jiménez

Parte 17/17

Final

poema de Rosalía de Castro

Libre te quiero

Gacela del amor desesperado,

Federico García Lorca

El enamorado y la muerte

Campana de Bastabales,

poema de Rosalía de Castro

Vivo sin vivir en mí,

Santa Teresa de Jesús

Lelia Doura,

Pero Eoanes Solaz

Cántico Espiritual,

La esposa….

Antífona del otoño en el Valle del Bierzo,

con Juan Carlos Mestre

AL ALBA

con Juan Carlos Mestre

Jaula en el pecho

Jaula en el pecho

Tengo en el pecho una jaula,
en la jaula dentro un pájaro,
el pájaro lleva dentro del pecho
un niño cantando
en una jaula
lo que yo canto.

El viento quisiera ser:
el viento que pasa y deja
un paisaje estremecido en tus ojos
y en el oído el eco.
El eco de una voz
que viene de muy lejos
y muy dentro de ti te canta
que eres tú también el viento cuando pasa.

Tengo en el pecho una jaula

La noche quisiera ser:
La noche que con agujas de cristal
teje tus sueños
y el delirio que te enciende
cuando más sola estás
y nada esperas,
contigo a solas soñando
el negro sauce de la noche que te envuelve.

Tengo en el pecho una jaula

La lluvia quisiera ser.
La lluvia mansa que cae
como un rumor de manzanas
en el desván de tu infancia lejos…
Y las primas jugando a casa casa
Para el ardor del alma
la lluvia fresca en el valle del silencio.

Pero tengo en el pecho una jaula,
en la jaula dentro un pájaro,
el pájaro lleva dentro del pecho
un niño cantando
Tengo en el pecho una jaula,
en la jaula dentro un pájaro,
el pájaro lleva dentro del pecho
un niño cantando,
en una jaula,
lo que yo canto.

Amancio Prada nace en Dehesas, León, en 1949. Estudia Sociología en la Universidad de la Sorbona de París y lleva a cabo estudios de armonía, composición y guitarra en aquella misma ciudad con los profesores Michel Puig y Silos Manso. Tras su presentación en la capital francesa junto a Georges Brassens, durante el mes de diciembre de 1972, las actuaciones de Amancio Prada se suceden tanto en radio y televisión como en distintas universidades del país vecino. Allí edita su primer disco, VIDA E MORTE (1974).

A su regreso a España, en 1975, graba su segundo disco, dedicado a ROSALÍA DE CASTRO y fija su residencia en Segovia para dedicarse por entero a la composición. Fruto de esta etapa son: CARAVEL DE CARAVELES , CANCIONES DE AMOR Y CELDA, LEILA DOURA y CÁNTICO ESPIRITUAL . Precisamente con el CÁNTICO ESPIRITUAL de San Juan de la Cruz, Amancio Prada inicia una serie de recitales que comienzan en el Teatro Español de Madrid en febrero de 1982. Ese mismo año graba CANCIONES Y SOLILOQUIOS , sobre poemas de Agustín García Calvo, y emprende una gira de conciertos que le lleva a las principales universidades norteamericanas. En los años siguientes y tras su presentación en el Palau de la Música de Barcelona, en el Piccolo Teatro de Milán y en el Teatro del Odeón de París, graba DE LA MANO DEL AIRE (1984), y DULCE VINO DE OLVIDO (1985).

Su actuación en el Teatro Real de Madrid, en el primer Festival de Otoño, no hace más que confirmar las críticas unánimes que ha venido recibiendo hasta ese momento. En ellas se destaca de manera especial el rigor de su trabajo y lo insólito de su orientación artística o, como escribiera Edward Rothstein en el New York Times, la flexibilidad de su timbre y su capacidad dramática en escena. En 1986, estrena los SONETOS DEL AMOR OSCURO , de F. García Lorca, en el Teatro María Guerrero de Madrid, bajo la dirección escénica de Lluis Pasqual y prepara su siguiente álbum, A DAMA E O CABALEIRO (1987), sobre la poesía neotrovadoresca de Alvaro Cunqueiro. Más tarde, y en colaboración con el escritor Manuel Vicent, compone las canciones del disco NAVEGANDO LA NOCHE (1988).

En 1990 graba un álbum doble titulado TROVADORES, MÍSTICOS Y ROMÁNTICOS, cuyo contenido, más el CÁNTICO ESPIRITUAL, presentó en el IV Festival de Música Sacra de Maastricht y en el Auditorio Nacional de Música, dentro del XIII Ciclo de Cámara y Polifonía. Iniciaba así una gira de conciertos que durante 1991 le llevaría a más de ochenta ciudades de España. En 1992 y en colaboración con la Compañía de Ballet de Luis Fuente incorpora el nuevo espectáculo “Canciones en Danza”.

En 1994 edita EMBOSCADOS, un oratorio sobre un largo poema propio, para dos voces solistas y conjunto de cámara. En 1997 graba ROSAS A ROSALÍA con la Orquesta Real Filharmonía de Galicia y junto a Amelia Muge, Ginesa Ortega, María del Mar Bonet, Marisa Paredes, María Dolores Pradera, Martirio, Nuria Espert y las Pandereteiras de Baio; este album es un homenaje renovado a la poetisa gallega Rosalía de Castro, que le inspirara sus primeras canciones. Su disco 3 POETAS EN EL CÍRCULO (Cunqueiro, Lorca y García Calvo) (1998), es su primera grabación “en vivo y en directo”, realizada durante los conciertos celebrados en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. DE MAR E TERRA (EMI, 1999) es un trabajo que entronca con la tradición oral.

Con ESCRITO ESTÁ (EMI, 2001), que da título y contenido a un nuevo recital Amancio Prada prosigue su búsqueda permanente de la emoción y la belleza. Palabras y música unidas y sostenidas por el arco melódico.

Su primer disco-libro, CANCIONES DEL ALMA (EL EUROPEO-KARONTE, 2003) está dedicado íntegramente a textos de San Juan de la Cruz. Está compuesto por la última versión del CÁNTICO ESPIRITUAL y cinco nuevos poemas de San Juan de la Cruz musicados por Amancio Prada: La Noche, La Fuente, La Llama, Vivo sin vivir en mi, y el villancico Del verbo divino. Con este disco se conmemoran 25 años de la primera versión del CÁNTICO ESPIRITUAL y su estreno en la Iglesia de San Juan de los Caballeros, Segovia, el sábado de gloria de 1977.

En marzo de 2004 ha publicado su segundo disco-libro SONETOS Y CANCIONES DE FEDERICO GARCÍA LORCA (Círculo de Lectores) compilación de todos sus temas inspirados en la magistral poesía de Lorca cuyo resultado es un álbum exquisito donde converge el genio de dos artistas. Los tres últimos temas del trabajo son un homenaje a Paco Ibáñez, mientras que el primer tema, A Mercedes en su vuelo, es un estreno absoluto

HASTA OTRO DÍA, CHICHO (Abril 2005), disco-libro editado por la Fundación Joaquín Díaz, está dedicado a su amigo Chicho Sánchez Ferlosio.

A finales de 2005, publica ROSALÍA, SIEMPRE, un homenaje a la obra poética de Rosalía de Castro, siempre presente a lo largo de su trayectoria musical.

HUELLAS DE SALAMANCA (2005), disco-libro editado por el Excelentísimo Ayuntamiento de Salamanca, Fundación Municipal Salamanca Ciudad de Cultura y Salamanca Plaza Mayor 2005, recoge la grabación en directo del concierto celebrado en el Teatro Liceo de Salamanca con motivo de la conmemoración del 250 aniversario de la Plaza Mayor.

ZAMORA. Disco-libro (2006). Disco  que recoge el concierto conmemorativo del IV Centenario del Teatro Principal de Zamora  celebrado el 7 de octubre de 2006

CONCIERTO DE AMOR VIVO (2007). Grabación en directo del concierto celebrado en la iglesia de los Jerónimos de Madrid el 8 de junio de 2005.

VIDA DE ARTISTA . Disco-libro (2007). Canciones de Léo Ferré.

VIDA E MORTE . Reedición (2008). Sello Autor.

ROSAS A ROSALIA . Reedición (2008). Sello Autor.

Amancio Prada ha participado en numerosos festivales nacionales e internacionales y ha dado conciertos, entre otras ciudades del extranjero, en Roma, Estocolmo, Ginebra, Buenos Aires, Nueva York, Lisboa, Caracas, Oporto, Chicago, México, Rabat, Colonia, Utrecht, Ravenna, Atenas, Bruselas, Medellín….

Extraído de la página oficial de Amancio Prada:

http://www.amancioprada.com/biografia.htm

Manuel Vicent

La voz de Amancio Prada, que emerge de un lirismo abrasado, te obliga a cerrar los ojos y muy pronto una lejana memoria de cariz renacentista puebla tu luz interior de álamos y vuelo de halcones, de doncellas bordadoras y rumor de monjes miniados. Una alondra canta en el ciprés de la abadía. Cazadores con jubón van detrás de las becadas. Hay corzos vulnerados en las verdes riveras, los arroyos sonoros aún son virginales, las majadas están llenas de largos balidos de silencio y todo huele a heno y pan candeal. ¿Qué tiene este joven tan azul?. Se podría decir lo de siempre, que Amancio Prada es un trovador: Uno lo imagina al pie de las celosías, en las antiguas plazas de piedra o acampado fuera de las murallas en carreta de cómicos de la legua, dentro de una soledad que percuten las esquilas del ganado y los yunques del herrero, aunque tal vez está ahora en el escenario de un teatro abarrotado de público moderno cantando dulces cosas ácratas de García Calvo. Pero da igual. Una letrilla de Lope de Vega lo devuelve enseguida al lugar de origen. Una cántiga galaica, un villancico, una nana o una sonatina de Juan Ramón Jiménez lo recuperan para la imaginación de antaño. La voz de Amancio Prada, ligeramente quemada de mística en la cresta, recita la música, hace manar la melodía de una forma silábica y cristalina. Existe en ella algo de códice, libro de horas o canto de palacio. Este joven del Bierzo, de rostro claro, hijo de agricultores, que fue infantillo de coro eclesiástico y cantante en orquestinas de pueblo, estrenó la modernidad estética en París rodeado de la mitología de Mayo, de donde regresó a la tierra con arreos vaqueros, de una suave rebeldía poseída por la espiritualidad. Desde entonces está investigando con rigor en sacarle el alma, en su tonalidad más pura, al sonido de la memoria culta y popular. Poetas antiguos y modernos han unido sus cadencias a una voz nunca maculada que te obliga a cerrar los ojos. Canta Amancio Prada, vuelan aves aún medievales y el público que abarrota el recital, después de cada canción, sorbe mosto de granada.

acompañado a la guitarra por Paco del Gastor

PIDEN TIERRA Y SE LA NIEGAN

Soleá,

con Antonio Sousa a la guitarra

EL MACHO MONTÉS,

con Paco del Gastor

Con Rafael Rodríguez en el Festival Flamenco. Teatro Albéniz, 2008

Hay albas con tanta muerte

Porque nunca me vendió

Mi noche triste (tango)

Los atuendos que luce El Cabrero cuando sale a cantar no son pura imagen: a pesar de sus treinta años en el cante, jamás ha renunciado a ser pastor de cabras, oficio en el que se inició desde muy niño y que parece haberle modelado una personalidad y una filosofía de vida muy singulares.

Partidario del cante tradicional, del cante jondo, El Cabrero se ha mantenido siempre fiel a sí mismo y a su propio estilo y ajeno a todas las modas. Destaca especialmente en los palos más duros como la soleá, la seguiriya o las tonás. El Cabrero se distingue por su voz suave, sobria, austera, pero dotada de gran fuerza y de todos los matices necesarios para producir todos los sentimientos.

El Cabrero es uno de los cantaores flamencos con mayor acogida popular, principalmente por las letras (que él mismo escribe), que se nutren de la vida misma y que registran una inconformidad con la que el público se identifica fácilmente. Su maestría y estilo peculiar también han sido reconocidos por la crítica con importantes premios como el que obtuvo en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba. De igual manera, músicos internacionales han demostrado su admiración por su saber hacer: Chick Corea, Gilberto Gil, Taraf de Haidouks, Peter Gabriel, Lenny Kravitz, Ziggy Marley, John Trudell…, con los que ha colaborado o compartido escenario en algunas ocasiones. Después de una importante carrera artística cantando flamenco, El Cabrero sorprendió con un disco de tangos argentinos.

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