Feeds:
Entradas
Comentarios

Archive for 31 enero 2010

Ram Narayan: Alap from Raga Mishra Bhairavi

Gloomy Sunday

Waltz For Debby,

de Bill Evans. Con Eddie Gómez y Jim Hall

Sunrise of the Planetary Dream Collector,

con Terry Riley

Dum Maro Dum,

con Asha Bhosle

Requiem For A Dream,

de Clint Mansell

G Song,

con Terry Riley

Collected Songs Where Every Verse is Filled with Grief,

de A. Schnittke

Kronos Quartet

El Kronos Quartet, formado por David Harrigton y John Sherba (violines), Hank Dutt (viola) y Jeffrey Zeigler (violonchelo) , ha seguido durante másde 30 años un camino artístico singular, que combina por un un lado un espíritu de exploración audaz y un compromiso que amplia el contexto clásico del cuarteto de cuerdas. Se ha convertido en uno de los cuartetos más famosos de nuestro tiempo, con miles de conciertos en su haber por todo el mundo y registrando más de 45 grabaciones, muy diversas y creativas, colaborando con compositores, artistas y músicos de todas partes, con un estilo ecléctico, lo que da más de 650 obras y arreglos para cuarteto de cuerdas.

Han obtenido numerosos premios, como un Grammy a la mejor Música de Cámara en 2004, y siendo “Los músicos de Año” en 2003. Sus inclinaciones por la exploración de nuevas sonoridades se remonta  a la creación del grupo, que surgió en 1973 gracias a la idea de David Harrigton, que se inspiró en los Ángeles Negros de George Crumb’s, un grupo ortodoxo que incluía ruidos de vasos de agua, palabra hablada y efectos electrónicos, en un contexto de oposición a la guerra de Vietnam.

Kronos comenzó a elaborar un repertorio con las obras de compositores del siglo XX, como Bartòk, Shostakovich, Webern, con compositores contemporáneos como Aleksandra Vrebalov, John Adams, Alfred Schnittke, o leyendas del jazz como Onette Coleman, Chrles Mingus, Thelonius Monk, y artístas aún más lejanos. Es el caso de guitarrista de rock Jimi Hendrix, el cantante azerí Alim Qasimov, o el saxofonista John Zorn.

Una de las colaboraciones más destacadas del cuarteto Kronos ha sido con le padre del minimalismo, Terry Riley, cuyo trabajo con el grupo ncluye ” Sunrise of the Planetary Dream Collector” , “Cadenza en la llanura de la noche” o las “Danzas de Salomé para la Paz, así como un espectáculo multimedia para la NASA, acompañando a imágenes del espacio.

Kronos también ha grabado los tres cuartetos de cuerda del compositor polaco Henryk Mikolaj Gorecki, con el que ha trabajado durante más de 20 años. También ha interpretado obras de Philip Glass, como la música de las películas “Mishima” y “Drácula”, una restauración de la película interpretada por Bela Lugosi. Con Franghiz Azerbaiyán, Ali-Zadeh; con Osvaldo Golijov de Argentina, que incluye arreglos de Caravan y Nuevo, y otros muchos.

Entre los instrumentistas que han colaborado con le cuarteto están el virtuoso de la pipa Wu Man, el legendario de Bollywood, con Asha Bhosle…e incluso con la banda gitana Taraf de Haïdouks, o la soprano estadounidense Dawn Upshaw.

El cuarteto emplea cinco meses de cada año a las giras, apareciendo en salas de concierto y festivales de todo el mundo. Entre su amplia discografía destaca la colección de piezas titulada “África” (1992), en la que se incluyen composiciones de músicos nacidos en este continente. que fue un número uno en las listas musicales de todo el mundo.
Las grabaciones de Kronos y sus actuaciones revelan un gran compromiso del grupo con la nueva música. Encarga numerosas obras a la Asociación de las Artes Escénicas, con fines no lucrativos, y que reside en San Francisco.  También está comprometido con los jóvenes compositories, y a tal fin dispone de un taller de Formación Profesional, creado en 2007, o el programa para compositores menores de 30 años Mediante la relación con los talentos emergentes y su relación con artistas de todo el mundo, Kronos ha ido acumulando un gran bagaje durante más de 30 años.

Actualizado el 10 de noviembre 2009

Read Full Post »

Mama chola mama india

Clamor de los humildes

Yerva silvestre

Paloma desmemoriada

Llanto por llanto

Paceñita

Cunataquiraqui

Carnaval de tambobamba

Flor hermosa

Coca hermosa

Martina Portocarrero

Leonila Martina Portocarrero Ramos nació un 29 de septiembre en Nasca (otras fuentes señalan Caravelí), pueblo al que en una oportunidad comparó con Madagascar. Cursó estudios en el Conservatorio Nacional de Música y la Escuela de Nacional de Arte Dramático, al igual que en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, pero fue en Suiza donde se gradúo de educadora. Es investigadora de las diversas culturas andinas y afirma que su verdadera escuela es la naturaleza: escuchando el canto del viento, de los pájaros y de los ríos que, desde niña ha formado su oído. Otrora integrante del conjunto Tiempo Nuevo y artista que le puso música a un poema de Alejandro Romualdo Valle, Martina Portocarrero es la figura que ha contado con el respaldo de músicos de la talla de Juan de Dios Rojas, César Zárate, Víctor Angulo, Eberth Alvarez, Geny Sulca, Antonio Gutiérrez Cateriano y Teodoro Gamboa La Rosa, entre otros.

En una entrevista para la Universidad Nacional San Agustín de Arequipa afirmó que “Los temas, todos se reducen al amor. Un amor que me fui, que te amó, que se me fue la palomita, con textos que son más de baladas que de huaynos, de tonderos, de marineras o yaravíes. La gente que quiere desarrollar su intelecto debe preferir un arte que refleje sus aspiraciones, aquello que esperan de la vida y no solamente una diversión fácil”.

http://noticiasdenascadelperu.blogspot.com/2009/05/musica-de-nasca-un-feliz-dia-de-las.html

Read Full Post »

Por ti lloro

La Rosa de Abril, metáfora de la proclamación de la 2ª República, el 14 de abril de 1931

Ruta de Estrellas, con Paco Ibáñez

La prisión de LLeida

Nuevo canto de pájaros, con Kepa Junquera

Ha llovido

Don Juan y don Ramón

Ámame tiernamente, con Juan Gómez (Chiquelo)

Corazón mío

Vengo de tu sonrisa

La barca del tiempo

Marina Rossell

Marina Rossell nació en Castellet i la Gornal, Barcelona. Sus inicios como cantante se remontan al año 1974. En 1976 publica su primer disco “Si volieu escoltar”, con arreglos de Luis Llach, y donde recoge canciones populares de Cataluña, temas estos que le acompañan en sus primeros años.

En 1979, su disco Penyora le lanza a la fama. En esta obra se incluye la célebre canción La gavina (La gaviota), una de las más populares de su repertorio. Otros discos celebrados son Bruixes i maduixes (mejor disco catalán del año), Rosa de foc (Premio Radio 4), Barca del tiempo (Disco de oro) y Ha llovido, que es su primer disco en castellano.

Ha grabado con multitud de intérpretes: Moustaki, Carlos Cano, Pablo Guerrero, Jaume Sisa, Pedro Guerra, Kepa Junquera, Monserrat Caballé…, y realizado giras por Eauropa. Iberoamérica y el norte de África.

En el año 2007 publica Clásicos catalanes, 20 canciones con temas tradicionales de Cataluña, como “Llevantina”, “Por ti lloro”, “Caballero enamorado”, “La muerte del monaguillo”, así como canciones de cuna, religiosas, populares o habaneras.

Discografía principal


Fuente: Wikipedia

Read Full Post »

Ψαραντωνης – Τιγρη

Ψαραντώνης: Ο Δίας

Afou ‘xes allon stin kardia

Prosefxes

DAEMONIA NYMPHE – DIOS ASTRAPAIOU

agrimia ki agrimakia mou

Sinnefiasmene ourane

Ο υμνος της Κρητης

Psarogiorgis & Psarandonis 1970

Una grabación de los años 1970 en la que se Psarandonis y Psarogiorgis tocán con la lira y el laúd una danza de Creta.

Psarantonis es el apodo, su nombre Antonis Xylouris. Nació en 1942 en Anogeia de Rethymno. Se crió en el seno de una familia reconocida por sus habilidades musicales. Uno de sus hermanos es Nikos Xylouris, otro músico de gran reconocimiento en Grecia; o su otro hemano, Yiannis Xylouris, también importante en el panorama musical griego.

En su juventud fue pastor en las solitarias montañas de Creta, en el más puro decir bucólico aprendió a tocar la lira. Sus primeras actuaciones fueron en las bodas, algo común entre los músicos cretenses. Más tarde, a los 22 años edad, grabó su primer disco “I Thought of Denying You”. A partir de ahí graba otros muchos discos y su nombre empieza a sonar no solamente en Creta, sino entre los griegos de todo el mundo.

Ha participado en numerosos festivales de música en el extranjero: Alemania, Francia, Austria, Ucrania, Luxemburgo, y más allá de las fronteras europeas en Australia, Canadá y Estados Unidos.

Psarantonis debe sobre todo su fama a su forma de tocar la lira, en la que es un gran virtuoso. La lira cretense tiene forma de pera, con tres cuerdas, y se ha convertido en un instrumento tradicional de Creta y de otras islas del archipiélago del mar Egeo. La lira cretense es un instrumento de cuerda descendiente de la lira medieval bizantina, de la que descienden la mayor parte de los instrumentos de arco europeo. Muchas veces su música se conceptúa como “rara”, pero enraíza en la música tradicional de Creta, donde su lira y su voz de bajo, con un timbre espacial, encierran la belleza salvaje de la naturaleza de Creta. También toca otros instrumentos tradicionales de Creta.

Junto a Yannis Markoyannakis grabó el disco “Otan Se Vlepo tragoudo”, donde toca el laúd. En las piezas tradicionales de Creta, la lira siempre está acompañada de un laúd. Markoyannakis es un importante intérprete de este instrumento.

Discografía

  • 1973: Κρητική Ξαστερία 1973: Κρητική Ξαστερία
  • 1976: Η Μάχη της Κρήτης 1976: Η Μάχη της Κρήτης
  • 1976: Πηγές 1976: Πηγές
  • 1978: Σαϊτέματα 1978: Σαϊτέματα
  • 1982: Αναστορήματα 1982: Αναστορήματα
  • 1983: Οι ρίζες μου 1983: Οι ρίζες μου
  • 1985: Εκτός Εαυτού 1985: Εκτός Εαυτού
  • 1986: Να κάμω θέλω ταραχή 1986: Να κάμω θέλω ταραχή
  • 1989: Τα μεράκια του Ψαραντώνη 1989: Τα μεράκια του Ψαραντώνη
  • 1990: Από φλόγες η Κρήτη ζωσμένη 1990: Από φλόγες η Κρήτη ζωσμένη
  • 1991: 30 Χρόνια Ψαραντώνης 1991: 30 Χρόνια Ψαραντώνης
  • 1991: Μαθήματα Πατριδογνωσίας 1991: Μαθήματα Πατριδογνωσίας
  • 1991: Ο γιος του Ψηλορείτη – Son of Psiloritis 1991: Ο γιος του Ψηλορείτη – Hijo de Psiloritis
  • 1994: Παλιό κρασί ‘ναι η σκέψη μου – My thoughts are like old wine 1994: ναι Παλιό κρασί ‘η σκέψη μου – Mis pensamientos son como el vino viejo
  • 1995: Μουσική Ανοιξη 1995: Μουσική Ανοιξη
  • 1996: Από Καρδιάς – De Profundis 1996: Από Καρδιάς – De Profundis
  • 1997: Cretan Music – The way of Psarantonis 1997: Creta Música – El camino de Psarantonis
  • 1998: Νογώ – I reckon reflexions 1998: Νογώ – Supongo que las reflexiones
  • 1999: Ιδαίον Άνδρον -Idaion Antron 1999: Ιδαίον Άνδρον-Idaion Antron
  • 2000: Τέσσερις Δρόμοι για τον Ερωτόκριτο 2000: Τέσσερις Δρόμοι για τον Ερωτόκριτο
  • 2000: Λεόντιος Μαχαιράς – Χρονικό της Κύπρου (Μουσική Ψαραντώνης) 2000: Λεόντιος Μαχαιράς – Χρονικό της Κύπρου (Μουσική Ψαραντώνης)
  • 2000: Χαϊνιδες – Ο Ξυπόλυτος Πρίγκιπας 2000: Χαϊνιδες – Ο Ξυπόλυτος Πρίγκιπας
  • 2001: Νίκος Κυπουργος -Τα Μυστικά του Κήπου 2001: Νίκος Κυπουργος-Τα Μυστικά του Κήπου
  • 2002: Ριζίτικα – Rizitika 2002: Ριζίτικα – Rizitika
  • 2002: Παπά-Στεφανής ο Νίκας-Αγρίμι και Κοράσο 2002: Παπά-Στεφανής ο Νίκας-Αγρίμι και Κοράσο
  • 2007: Ψαραντωνης & Βασίλης Σκουλάς – Άνθη του Χρόνου 2007: Ψαραντωνης & Βασίλης Σκουλάς – Άνθη του Χρόνου
  • 2007: Να ‘χεν η Θάλασσα βουνά – Had the Sea mountains 2007: χεν Να ‘η Θάλασσα βουνά – Si los montes del Mar
  • 2008: Αντάρτες των βουνών – Mountain rebels 2008: Αντάρτες των βουνών – Los rebeldes de montaña
  • 2009: Εκειά που θέλω 2009: Εκειά που θέλω

Read Full Post »

chonan doostat daram

Yar Mara

Dah-e-Shast

ey Sareban

Ey Kash

Zolf bar baad

Hamash Delam migire

Echoes of Iran

Ah Ke In Tor

Torang

Shirin

Moshen Namjoo

Namjoo nació en el año 1976 en Torbat-e-Jam, Irán. Al año de edad su familia se traslada a Mashhad, donde vivirá hasta los 17 años de edad. A los 12 años, su padre, Mohhammad Hossein Namjoo, muere. Su familia le anima a estudiar música, comenzando con la música clásica persa, siendo su profesor Ali Shakeri y solfeo con Kaivan Alee. Recibe una sesión musical a la semana con Nasrollah Nasehpoor, un maestro de la música tradicional iraní, ofreciéndosele una oportunidad para introducirse en este tipo de música. Este periodo de formación se extiende hasta los 18 años de edad.

En 1994 se le da la oportunidad de estudiar música en la Universidad de Teherán. También asiste a clases de teatro en el Departamento de Teatro de la Universidad de las Artes. En Teherán es alumno de Alireza Mashayekhi y Azin Movahed. En 1997 abandona el programa de música de la Universidad debido a conflictos con sus profesores y a que el programa era una repetición sucesiva de lo que ya había estudiado con anterioridad.

En 1998 da sus dos primeros conciertos con un tema: “ la moderna combinación de la poesía y la música de Irán”. También estudia música folklórica de Irán con Haj Qorban Soleimani.

También está familiarizado con los estilos musicales de occidente, en particular del blues y el rock. Desde el año 2003 graba sus propias composiciones, en Teherán. Su primer disco se titula Toraj (Torang), lanzado oficialmente en Teherán en septiembre de 2007, en el que su voz aparece en la mayoría de las composiciones. También ha compuesto bandas sonoras para películas y obras de teatro, y un documental muy destacado, “Sonidos del silencio”, dirigido por Amir Hamz y Mark Lazarz, exhibido en festivales internacionales. También apareció en una película titulada “Pocos kilogramos para la fecha del entierro”, del director Saman Saloor, exhibida en varios festivales de cine. Su primera actuación importante fuera de Irán fue en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam, donde tocó en solitario.

También escribe poesía, y sus propias letras satíricas forman parte de sus canciones, mezclada con la poesía clásica de Hafez, Rumi o Saadi. Su música y sus letras transmiten una profunda emoción y en sus obras mezcla diversos estilos: tradicional iraní, el blues y el rock.

La República Islámica de Irán le ha considerado un cantante irrespetuoso y le condenó en rebeldía a 5 años de prisión. Se le culpa de falta de respeto a la religión musulmana: “ hace una interpretación insultante y desprecia los versículos coránicos, empleando instrumentos musicales.”

Noticia de julio de 2009

El cantante iraní Mohsen Namjoo ha sido condenado a cinco años de prisión por no respetar las santidades religiosas, aunque por suerte está viviendo fuera del país, y buscado en rebeldía.

Mohsen Namjoo ha sido comparado con Bob Dylan. Un investigador del Corán iraní habría presentado una denuncia contra el cantante por haber utilizado los versos del libro sagrado del Islam en una grabación privada del año 2005: un tono despectivo y la utilización de instrumentos musicales en la recitación de los veros coránicos.”

El abogado del cantante dijo que no significaba falta de respeto y que ya había pedido disculpas al pueblo iraní por la canción en septiembre de 2008, en una carta dirigida a su madre, en la que decía que fue víctima de una grabación hecha pública sin su autorización.

La Agencia de Noticias confirmó que se había encontrado culpable a Mohsen Namjoo después de las investigaciones realizadas, sin darse mayores detalles de la sentencia. Su acusador, un tal Abbas Salimi Namin, habría quedado muy satisfecho con la sentencia: “ Nadie puede ridiculizar el carácter sagrado del libro de Dios”.

Álbumes de estudio y en directo

Toranj, (septiembre de 2007)

Jabr Joghrafiyaei-e, (2008)

Oy, (octubre de 2009)

Fuente:  wikipedia

Entrevista a Mohsen Namjoo

¿Qué puedo decir? Mis amigos me han presentado otras formas de música

ZirZamin: ¿Va a darnos un resumen de su carrera artística?

Mohsen Namjoo: Antes de la reunión con mi amigo músico Abdi y la creación de la banda Maad, me he centrado en avaz o el canto clásico iraní. Puedo decir que mis amigos me han presentado otras formas de música, por ejemplo, Abdi era la persona a quien le debo mi introducción en la música rock. He trabajado en el canto persa por mi cuenta. Luego entré en la Escuela Superior de Música de la Universidad de Teherán. Yo estaba terminando el quinto o sexto cuando salí de la universidad. Tenía muchas razones para terminar con la escuela, una de ellas fue la rígida y conservador ambiente que impregnaba la música en la academia. Para algunos con ambiciones musicales a la edad de 22 años esto era desalentador. Después de eso, he estado activo en la escena musical durante un par de años, dentro y fuera, por ejemplo, he hecho música para varias películas. Luego, estuve en el ejército y que fue donde conocí a Abdi.

ZZ: ¿Cómo tuvo lugar ese encuentro?

MN: Lo conocí en casa de un amigo y tocamos juntos. Sin fijar una cita fui a su casa varios días más tarde y fácilmente me aceptó. Fue en estas sesiones de improvisación que tomó forma la idea de formar una banda, aunque Abdi ya había reflexionado sobre esto y había hablado con varios músicos. En última instancia, llamó a esta banda “Maad”.

ZZ: ¿Ha Maad tiene actuaciones en directo?

MN: Tuvimos un concierto en 2002 en la ciudad de Mashhad. Fue un éxito. El próximo concierto fue en 2003 en la misma ciudad. En ese momento yo estaba viviendo en Teherán y los miembros de la banda en Mashhad organizaron el concierto. El segundo concierto fue mejor recibido que el primero y la banda ya demuestra la gran profundidad en su musicalidad. Sin embargo, las autoridades nos obligaron a terminar el concierto después de la primera noche.
Para mí, el grupo había sido autorizado a continuar con sus actuaciones, se habría hecho mella, ya sea económicamente o en términos de una mejora de la calidad de su música. Sin embargo, su cancelación fue un duro golpe a los miembros de la banda.

ZZ: ¿Cómo fue eso?

MN: Llegamos a la conclusión de que era inútil continuar con lo que estábamos haciendo, ya que al final del día podíamos esperar el mismo trato de las autoridades. Por lo tanto, he perdido contacto con el resto de los miembros por un tiempo, aunque Abdi continuó trabajando con ellos antes de mudarse a Teherán.

ZZ: ¿ Ayuda a la banda con sus propios proyectos?

MN: Bueno, cuando una oferta de los productores de publicar uno de mis álbumes, llamado Toranj, le pregunté al productor a aceptar Maad como la banda que interpretaba las canciones, y afortunadamente esto sucedió y dos pistas del álbum son composiciones de Maad. En cierto modo, este es el primer trabajo publicado de la banda.

ZZ: Con todos estos problemas, ¿cómo tuvo la voluntad de continuar con una carrera en la música?

MN: Hemos sido capaces de obtener un punto de apoyo. Podemos grabar nuestras obras sin ningún problema. Los miembros de Maad siguen en contacto. Los productores no uno, sino cuatro, se han ofrecido a suscribir y apoyar mis obras futuras. Pero no me hago ilusiones. El Ministerio de Cultura (Ershad) es la autoridad que decide para obtener el permiso para su liberación, y tienden más a negarse a conceder permisos. Estamos acostumbrados a este estado de cosas. De hecho, nos hemos vuelto más obstinado en nuestros caminos.

ZZ: ¿Quiere decir que estas presiones y limitaciones no causan frustración y desesperación?

MN: Para mí, las limitaciones pueden incitar la creatividad, ya sea internamente, lo que puede dar lugar a nuevos descubrimientos en las composiciones musicales o líricas, o externamente, mediante el estudio de las implicaciones sociales de estas limitaciones. A veces, estas limitaciones y malos entendidos por las autoridades son una fuente de entretenimiento y alegría, como te das cuenta de que tu trabajo es diferente y te anima a seguir haciendo lo que estás haciendo.

ZZ: ¿Cómo crees que en Occidente se ven estas limitaciones?

MN: He hablado con varios periodistas extranjeros. Somos muy conscientes de cómo los periodistas extranjeros están mirando a nuestra música. Están jugando con nosotros. Nos tratan como si fuera primitiva, de una sola célula de seres que tocan sus instrumentos primitivos, aunque pueden ser conscientes de la música rock también. Esto es especialmente cierto respecto a su actitud con la sociedad iraní, que es la marca ya que todos son islamistas y terroristas. Pero puedo decir ahora que no hay absolutamente ninguna diferencia entre un amante de la música que escucha música en Irán y en el que está sentado en Zurich. Quiero decir con esto en términos de apreciación musical. Vivimos en una época en que los canales de comunicación han sufrido transformaciones radicales. Nosotros podemos escuchar todo tipo de música en cualquier momento y en cualquier lugar. La impresión de que el periodista occidental tiene de los músicos iraníes es que está distorsionada su música. Para ellos, vivimos en una sociedad tiránica, y creo que esto merece un estudio, pero para nosotros la situación es mucho más simple, porque vivimos con la música y estamos constantemente escuchando música. Los periodistas occidentales nos ven como un grupo de perdedores del Tercer Mundo que son interesantes porque tocan rock y escuchan a Pink Floyd. No tenemos nada que ver con esta imagen.

ZZ: En otras palabras, ¿siente que la gente de Occidente no tiene ninguna ventaja sobre nosotros?

MN: Mira, debido a la evolución de las telecomunicaciones, las distancias entre la sociedad post-industrial y de las sociedades del Tercer Mundo está en gran medida disminuida, al menos en lo que respecta a la música. De hecho, los músicos del Tercer Mundo puede venir con ideas más creativas. Puede ser cierto que los músicos estadounidenses han conquistado la escena musical de rock, pero puedo saber que su edificio musical está basado en un ritmo de 2 / 4. El noventa y cinco por ciento de la música rock, desde la época de Elvis Presley a la de Radiohead, se basa en el ritmo del 2 / 4. Las excepciones son pocas. La principal característica de esta música es el deseo de equilibrio. Sin embargo, para Irán, India, y los músicos árabes lo importante es el desequilibrio. Es por eso que hacemos cuartos de tono y otros ritmos desconocidos para los oídos occidentales. La Música iraní está llena de ritmos diferentes, cada uno de los cuales podrían haber ido a producir un álbum de rock.

También debo señalar que Irán es único en el mundo en términos de diversidad de música. Por ejemplo, la música de la provincia de Khorasan [en el noreste de Irán] es muy diferente de la de la provincia de Mazadaran [su vecina provincia]. Basta con escuchar estos dos enfoques de la música para cualquier persona común y corriente a darse cuenta de sus diferencias. El principal instrumento en Mazandaran, por ejemplo, es Qomsheh o sorna, mientras que el Khorasani desempeña principalmente los Dotar. Más al sur, es la provincia de Zahedan, con instrumentos que son radicalmente diferentes. En la ciudad del Golfo Pérsico de Bandar Abbas, ritmos de cambio. Uno de nuestros especialistas en buena música, con quien he tenido el honor de trabajar, el Sr. Mohammad-Reza Darvishi, comenzó a coleccionar fotografías de todos los instrumentos musicales utilizados en la meseta iraní. Sr. Darvishi comenzó esta tarea hace 15 años y hasta ahora ha publicado seis volúmenes de la colección. Ninguno de nosotros – los músicos de la ciudad – ve esto como una riqueza nacional y somos ignorantes de ella. Aunque estamos sumergidos en el medio de este océano de ritmos y melodías, un mundo lleno de perlas preciosas Pero tengo la intención de bucear en busca de estas perlas.

ZZ: Yo quiero regresar a su pasado artístico. La primera vez que oí su voz fue en una canción de Maad llamada “Vagh Vagh-e SAG” (el ladrido del perro). En ese momento nadie le prestó mucha atención a esta canción, pero profundamente me afectó a mí. ¿Cuál fue la historia que está detrás de esta canción?

MN: Abdi y yo escribimos juntos esta canción. La letra pertenecía a un amigo, Mostafa. En otras palabras, lo que escuchó fue una empresa conjunta. En esta canción la existencia humana se compara a la de los perros: “Somos obedientes como perros / tratados por los transeúntes como un perro.” Ahora, el Ministerio de Cultura se opuso a esta canción, argumentando que el canto se hace en los modos musicales de Chargah persa y Daramad, es decir, que pertenecía a nuestro repertorio clásico, pero que la mención del nombre de “perro” mancillaba la tradición . Esta es la misma objeción que había a mi [la acaba de publicar] Toranj. La atmósfera que crean estas letras, de acuerdo con la gente del Ministerio, pertenece a la música rock y pop y no es digno de la música clásica iraní. Como tal, el permiso que rara vez tse obtiene en la liberación de canciones como “Vagh Vagh …” porque consideran que la gente puede reaccionar negativamente a la misma.

ZZ: Entonces, ¿qué debe hacerse?

MN: El camino que hemos escogido es lo que se oye en nuestra música, en otras palabras, elegimos no disociarnos de ningún estilo de música, negándonos a llamarlo rock o tradicional. Yo personalmente no considero que mi música sea “tradicional”. A mi modo de ver, hay una calle llamada Western Music. Como un pequeño grupo llamado Maad, en un país relativamente poco importante, como Irán. No veo la necesidad de vernos a nosotros mismos como músicos que están en sintonía con la música occidental, simplemente porque hay bastantes bandas en este camino creando un gran atasco. Estamos en el comienzo de este camino y otros están a kilómetros más adelante. Pero lo que podemos hacer es preparar nuestro propio camino en la rama de la carretera principal. Acabamos de hacer lo que mejor conozco. Ahora bien, es posible que algunas señales en nuestro punto de camino a la misma dirección que la música occidental, o es posible que la música occidental pueda utilizar algunos elementos de nuestra música. Sin embargo, nuestro camino tiene un nombre completamente diferente y no se pueden etiquetar de una u otra cosa. Este es el trabajo de los críticos, ya que han llegado con etiquetas como alternativas o de fusión o World Music.

ZZ: ¿Cuál es la etiqueta en que usted está más cómodo?

MN: Abdi y yo hemos discutido esto extensamente, y hemos llegado a la conclusión de que no es el cosa de los músicos etiquetar su música, pero sí el de la crítica. Nuestro trabajo es dar cuerpo a nuestras emociones, y la verdad es que cuando usted compone música, no cree que se está creando una obra para todos los tiempos. Sólo tiene que darle cuerpo. Ahora, es posible que se sienta bien con los oyentes o los críticos y se le puede llamar un buen trabajo. Esto está fuera de nuestras manos.

ZZ: ¿De dónde viene la música alternativa de Irán?

MN: Bueno, todavía estamos allanando ese camino. Estamos en el comienzo de la misma, y sabemos que no hay uno 25 kilómetros más adelante. Somos los precursores, y porque no estoy sugiriendo que yo sé de todas las personas que están en este camino. Si hay personas con ideas originales, entonces deben ser elogiados. Pero en lo que yo sé, las próximas 25 millas siguen sin pavimentar. Lo que estoy sugiriendo es que no sabemos y no puedo decir lo que se prepara para el futuro, porque todavía estamos allanando ese camino. El futuro está conectado con el presente, no es un libro aparte para nosotros, para abrir y ver lo que hay dentro. Cada palabra en este libro está escrito en el presente, pero apunta a un futuro. Tenemos un futuro por escribir, tocar y componer canciones, grabando y realizando en público.

Llegamos a una propuesta en la que los filósofos también han hablado sobre el mundo en que vivimos hoy en día. Wittgenstein ha dicho a este respecto que una de las preocupaciones es la alquimia y la otra es la obsesión con los estilos y los ismos. Por ejemplo, anoche estaba tocando una pieza con Abdi, con la guitarra. Después terminamos, hablamos del estilo de esta pieza. ¿Podríamos llamarlo rock? No. ¿Podría ser llamado pop? Todavía no. ¿Tradicionales? Otra vez no. Una vez más, tenía las características de los tres.

ZZ: Por último, esta calidad que encontramos en su trabajo, que desafía las fronteras y estilos, también se ha llamado post-moderno. Usted puede escuchar esto en la pieza “Toranj” más claramente.

MN: “Toranj” es una pieza basada en el ritmo 7 / 8. Las letras pertenecen al poeta clásico iraní Khajoo Kermani. El bajo está interpetado por el miembro de Maad Navid, que ha hecho un trabajo muy bueno – de hecho toda la canción fue compuesta para el bajo. Abdi desempeña algunas melodías en su guitarra, que tiene un efecto de distorsión similar a la música rock. Como su cantante, a veces denota de una manera que recuerda a los oyentes de rock, pero a veces rompe con el rock y sigue los principios de la música tradicional iraní. El ritmo (7 / 8) es iraní, pero en algunos lugares es más débil y tiene sugerencias de la música pop.
Lo que quiero decir es que escuchar a todos estos estilos en esta pieza y es imposible poner en primer plano uno como el estilo dominante. Es simplemente música.

Otro ejemplo es “Enfermedad Jaan Sea Resideh Lab” (El hombre al término de su cuerda). El origen de esta pieza es kurda, en otras palabras, esta es una canción moderna, basada en una sugerencia melódica que es por lo menos de hace 300 años. Pero cuando la escuchamos, escuchamos blues.

ZZ: ¿Cómo llegar a esta fusión?

MN: Antes de formarse Maad, Abdi y yo tuvimos una experiencia interesante. Nunca sugirió nada el uno al otro, ni nos decidiamos por una melodía en particular. Lo único que hicimos fue que íbamos a conectar un pequeño micrófono a mi Setar, que no tiene el alcance que tenía la guitarra Abdi, y se amplifica el sonido. En efecto, mi Setar también se convertiría en eléctrico. Hemos ajustado nuestros instrumentos, ni siquiera nos mirábamos el uno al otro. Tocaba su instrumento y yo el mío. A veces me dejaba llevar y Abdi seguiría, o viceversa. En estas sesiones de interferencia, algo ocurrió que nos deparó una gran alegría. Es interesante observar que después de varios horas de tocando nuestros instrumentos eran distintos, Abdi tocaría el Khorasani (un estilo regional) en su guitarra y quiero tocar blues en mi Setar. Esta experiencia nos hizo darnos cuenta de que no había ningún conjunto esencialmente en este camino y con estos límites. Los instrumentos musicales no son más que herramientas.

ZZ: ¿Qué se puede concluir de todo esto?

MN: Hay un campo unificado de la música – un núcleo melódico que se podría llamar “Gusheh-ye Sarmak Shur” en Irán y la “tristeza” o “pentatónica” en los EE.UU.. Los dos son gemelos idénticos. Esta idea fue maravillosa, porque mi instrumento no tiene nada que ver con la guitarra de Abdi. La escala pentatónica no conocía el modo de Shur en la música persa. Pero los dos son similares. Estas similitudes nos asombraron.

ZZ: ¿Estás sugiriendo que las raíces de nuestra música y la de Occidente son las mismas?

MN: Nuestra música es multifacética y también lo es la de Occidente. Por ejemplo, tomemos Mohammad-Reza Shajarian, que es uno de los maestros de la música de la ciudad de Irán, y lo comparan con Chris de Burgh. Hay una gran distancia que separa a los dos, ya sea en términos de estilo o la cultura nacional. Pero la distancia entre un músico regionales como el Hayy Gorban Soleimani, que toca la música en el pueblo de Ali Abad, cerca de la ciudad de Quchan, y el Mississippi John Lee Hooker, no es mucha. En otras palabras, la música de Village People, que ni siquiera puedo leer y escribir, tiene una autenticidad que se puede comparar con el corazón, sintiendo que la música de Occidente, no sólo en términos de los sentimientos en general, sino también musicalmente. Incluso sus escalas son similares. Lo mismo se puede decirse sobre el arte de Shajarian en comparación con el de De Burgh. Una vez más, lo que une a nuestra música a la de Occidente se encuentra en estos registros más primitivos, blues, porque también pertenece a una tradición que está más cerca de los corazones. John Lee Hooker lanzó su primer álbum a la edad de cuarenta años. Él no era considerado un músico de éxito y vivió en la pobreza. Sus sufrimientos están reflejados en las manos resecas del Hayy Dotar tocando el Gorban en el pueblo de Aliabad. Hay muchos como él en Irán, pero están dispersos por todo el país.

Read Full Post »

Dreams

Brother wind, con Manu Katché

Ragas & Sagas, con Ustad Fateh Ali Khan

La montaña mágica

con Peter Erskine

Jan Garbarek

El saxofonista noruego Jan Garbarek empezó en el año 1962, año en el que ganó un concurso de jazz para aficionados, y a partir de ahí comenzaron sus primeras actuaciones. Desde entonces dio conciertos por toda Noruega, como solista o como acompañante de George Russell, que por aquella época se encontraba en Escandinavia, y lo estaría por bastante tiempo.

Empezó a grabar para ECM a principios de los años 70, y aunque tuvo oportunidades para tocar con Chick Corea y Don Cherry, se unió al cuarteto de Keith Jarret, a mediados de los años 70, lo cual le hizo famoso. Su nombre se asocia con el nacimiento de un sonido original en el jazz europeo.

En la década de los 80 incluía como bajista a Eberhard Weber, en otras ocasiones a los guitarristas Bill Frisell y David Torn. El sonido de Garbarek ha cambiado muy poco desde la década de los 70, colaborando con el Hilliard Ensemble, un cuarteto vocal que interpreta música del Renacimiento, en 1993, y con los que grabó un disco que se hizo extraordinariamente popular, d e forma sorprendente.

En 1995 vino el disco “Mundo visible”, y cuatro años más tarde resurgió con “Ruitos”. En abril de 1999, Garbarek y el Hilliard Ensemble volvieron a grabar, y el resultado fue el disco Mnemosyne.

El tono de sus interpretaciones es claro, un tanto ascético, y puro. Los temas de sus composiciones son el norte y la naturaleza, el canto y el misterio, lo que llama Garbarek sus orígenes y que con su herencia irrefutable. Con una fuerte influencia del folklore noruego, también nos recuerda la música brasileña y asiática, de las que también bebe.

El origen de toda la música dice estar en el canto, que se hace sentir en muchas de sus composiciones, poniendo especial énfais en la melodía y en una articulación clara de las líneas melódicas, que suenan de una forma inconfundible. “En mis mejores momentos espero dar sentido a cada nota”, dice Garbarek.

En medio de una melodía oscilante surge el saxofón de Garbarek, manteniéndola en alto, controlada. Su forma de tocar al unísono con el contrabajo de Eberhard Weber dan a las canciones en ocasiones el brillo de un himno. Música tranquila y madura, ajena a toda moda y a las cuestiones de sólo puro estilo, a la búsqueda siempre de nuevos espacios para su intensa música, de un carácter muy visual.

Principales colaboradores (wikipedia)

Keith Jarrett

Discografía (incompleta, de wikipedia)

Read Full Post »

Hum Buton Ko Jo Pyar Karte Hain

Parte 1/2

Parte 2/2

Tum ik Gorakh Dhanda Ho

Parte 1/3

Parte 2/3

Parte 3/3

Akhiyan Udeek Diyan

Tumhein dillagi bhool

Un documental en el que también se incluyen algunas  de sus interpretaciones en directo.

Nusrat Fated Ali Khan y el qawwali

Nacido en Afganistán, pero luego afincado en Pakistán, tuvo un gran éxito tanto en su país como en la India, siendo considerado en todo el mundo como uno de los mayores cantantes de música Qawwali, en la que fue un maestro. El Qawwali es una música devocional sufí, la rama mística del Islam y que surgió hace unos 700 años en la zona indopakistaní, donde se cruzó con las tradiciones musicales de esta región. Hay diferentes músicas sufíes en el islam, por ejemplo las magrebíes y las egipcias, las turcas vinculadas a los derviches, y las pakistaníes, que es la que emplea el qawwali. Tiene un función precisa: facilitar el trance a sus ejecutantes y oyentes, entrando en contacto con la divinidad, un viaje hacia un estado de felicidad mística.

El sufismo surgió en Irán en el siglo X, originándose después diferentes facciones, una de ellas, la Chisti, que recorrió durante más de 200 años el subcontinente indio, dio forma al qawwali.

Es una tradición muy arraigada en Pakistán. Una composición Qawwali, que significa “expresión”, se divide en tres partes: recitación de textos sagrados, parte instrumental y canto devocional. Acompañan al canto, el Qawwal es el cantante, los dholak (tambores con dos parches, uno en cada lado), el armonio, la tabla, un par de cantantes que responden al solista como un coro, el tambura, un instrumento de cuerda compuesto por la caja de resonancia, un mástil y las cuerdas, que recuerda al laúd o el ud árabe, y el acompañamiento rítmico constante de las palmas. Lo que caracteriza a esta música es sobre todo el canto, que en Nusrat Fateh alcanza una de sus máximas expresiones. El texto consiste en unas pocas líneas que se repiten una y otra vez, con temas a veces tan poco ortodoxos como el amor o la bebida, utilizando metáforas, un camino hacia la iluminación mística: “ Los ojos de mi novio no tienen igual, incluso los mejores vinos palidecen en comparación”. La canción se inicia de forma lenta, predominando la melodía, para entrar a continuación un patrón de respuesta ya establecido. Las frases se repiten una y otra vez, con interrupciones repentinas, y el canto virtuoso del qawwal. La pieza va aumentando en ritmo y en intensidad, elevando a los oyentes a estados de embelesamiento y trance. Un buen Qawwal tiene en cuenta la reacción del pública y ajusta su canto y su intensidad como respuesta. Por prescripción religiosa, una reunión de qawwali es solamente masculina

Con el tiempo el qwawali se convirtió en la música de la películas de la India.

En occidente introdujo a Nusrat Fateh Ali Khan Peter Gabriel en 1985, en festival WOMAD (Festival de música y danza), ha compuesto música para películas, como “La última tentación de Cristo”, “Natural Born Killers” y “Dead Man Walking”, trabajando luego con muchos otros músicos occidentales, con muchos cruces interculturales.

El padre de Nusrat, Ustad Fateh Ali Khan, fue también uno de los más grandes qawwal de su tiempo. Casi tuvo que aprender a escondidas el oficio de su padre, pues éste quería que su hijo fuese médico. Tras la muerte del padre se une al grupo Qawwali de su tío, a la edad de 17 años. Pronto consigue notoriedad en Pakistán, y tras su presentación en occidente fue considerado uno de los tesoros vocales del mundo. Murió el el 16 de agosto de 1997 en Londres.

[Un testimonio: Tuvimos la suerte (realmente, el honor) de oirlo en el Palacio de Carlos V, dentro del Festival de Música de Granada. Fue impresionante.[…] El patio-sala estaba abarrotado, pero a la media hora de Nusrat Fateh Ali Khan una espectadora singular, la Reina Sofía, abandonó la sala, lo que provocó un revuelo cortesano y la huida, primero cuidada y luego sin pudor alguno, de la mitad de los espectadores. Los que habíamos ido a ver al genial cantaor pakistaní nos sentimos al fin en familia; no hubo reloj que marcara la duración del evento, que aún sentimos como importante en nuestra experiencia. La expresión “Camarón de la India” referida a Nusrat FAJ. parece que es de Antonio Carmona (Ketama), tras oirlo en uno de los festivales londinenses].

Read Full Post »

Older Posts »