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Tal Tivra -tabla, mridangam, pakhawaj & ghatam

Thayampaka – Naleratti

Mattannur-Thayambaka

Chenda group tocando en  Kayarat House, Ottapalam durante el Pooram festival

[Tambores de Calanda (España)

Paramekavu panchavadyam,

de noche.

Guru Karaikkudi Mani performing a Talavadya Cutcheri (Tani Avarthanam) concert with Ghatam Suresh

Chenda from kerala

Instrumentos de percusión de la India

Tabla
De entre la variedad de instrumentos que encontramos en la India actual, el tabla es el más popular, particularmente en el norte. Se compone de dos tambores, cada uno de ellos con parches de cuero afinados por tientos. El más pequeño de los dos es llamado dayan o tabla. Está construído de madera ahuecada y se afina con la tónica del raga. El tambor que marca los bajos es llamado bayan o duggi y está hecho de metal (bronce y cobre son los materiales más comunes) y en algunos casos de arcilla. El tabla es único entre los instrumentos de percusión por su enorme variedad sonora.


El intérprete de tabla puede exhibir su destreza y maestría del instrumento en un recital como solista, si bien también debe saber cómo mantenerse alerta para realizar los ajustes necesarios que surgen cuando se acompaña a un ejecutante principal (sitar, veena, etc).
El tabla se desarrolló en un tambor híbrido, influenciado por otros instrumentos de percusión como el mridangam y el puskara. En templos sitos en Bombay como el de Muktesvara (siglos 6-7 AC) o Bhuvanesvara se pueden ver ilustraciones del Puskara. Los músicos de aquella época acostumbraban ubicar el tambor pequeño del puskara (llamado alinga) sobre su regazo y, de esta forma, podían tocar más de un tambor a la vez. Teniendo en cuenta el diseño, la tecnología y la estructura musical de los tambores de este período, podemos reconocer muchas características del tabla.
El nombre tabla probablemente derivó de la palabra árabe “tabl”, que significa “tambor”. También existe la creencia que Amir Khusro inventó el tabla al partir en dos un Pakhavaj. Esto sin embargo es muy discutible, ya que Abul Fazil (el escriba de la corte de esa época) no menciona ni describe al tabla, poniendo en duda la invención del intrumento por Amir Khusro. La invasión musulmana sin duda influenció la cultura, y por consiguiente la estructura del tabla. Sin embargo, los textos e ilustraciones que describen al tabla tal cual lo conocemos hoy datan del siglo XVIII.
Durante los últimos dos siglos, el tabla comienza a destacarse cada vez más entre los instrumentos de percusión utilizados en la música clásica del norte de la India. Asimismo, podemos identificar las líneas familiares de las gharanas a partir del siglo XVIII. A lo largo estos doscientos años, el intrumento cambió lentamente, resultando en un dayan cada vez más pequeño y un bayan cada vez más grande, y se convirtió en el instrumento preferido para interpretar música clásica y popular en el norte de la India.

Pakhavaj
El pakhavaj es un instrumento de percusión con dos caras. Existe una leyenda que dice que un ejecutante de pakhavaj, en un acceso de ira, arrojó su instrumento al suelo, y este se rompió en dos pedazos, separándose para siempre en dos tambores… y originando a lo que hoy conocemos como tabla.
De todas formas, el sonido del pakhavaj es muy particular, de carácter profundo, grave y solemne.

El Pakhavaj, también llamado Mardal, Pakhawaj, Pakuaj, Pakhvaj, Pakavaj o Mardala, tiene forma de barril con  dos cabezas, el equivalente a la del norte de India mridangam Sur. Es el instrumento de percusión estándar en el estilo de dhrupad y es ampliamente utilizado como acompañamiento de las diversas formas de música y danza. El pakhavaj tiene un tono  baja, el tono suave, muy rico en armónicos. Se toca horizontalmente sobre un cojín en la parte delantera de las piernas cruzadas, el bajo más grande de piel se toca con la mano izquierda, la piel de los agudos con la mano derecha.

Al igual que con la tabla, los ritmos pakhawaj son impartidas por una serie de sílabas mnemotécnicas conocido como bol.

En el pakhavaj los estilos tradicionales los aprende el  alumno con una serie de  golpes diferentes que producen un sonido específico. Se trata de recordar y practicar con las sílabas correspondientes.

Una regla muy básica para recordar  un Theka en una tala en particular o un ciclo rítmico, como por ejemplo chautala en 12 golpes: | dha dha | Dhin ta |
| kite DHA  | Dhin ta |
| Kata tite | gadi gen |

Ghatam
El ghatam es una simple vasija de arcilla, pero, en las manos de un músico acabado puede brindar un acompañamiento rítmico bellísimo.
Se construye a partir de un bloque de arcilla mezclado con polvo de limadura de hierro, y es un instrumento capaz de producir una sorprendente variedad sonora y un tempo muy rápido.

Mridangam

En escultura, la pintura, y la mitología hindúes antiguas, el mridangam se representa a menudo como el instrumento de la opción para un número de deities incluyendo Ganesha (el protector) y Nandi, que es el vehículo y el compañero del señor Shiva. Nandi se dice para haber jugado el mridangam durante la danza arcane de Tandava de Shiva, causando un ritmo divino al resound a través de los cielos. El mridangam también se conoce así como “Deva Vaadyam,” o “instrumento de los dioses.”


La palabra “mridangam” se deriva de los dos Sanskrit palabras “Mrid” (arcilla o tierra) y “Ang,” (cuerpo). Los mridangams tempranos fueron hechos de hecho de la arcilla endurecida. Sobre los años, el mridangam desarrollado para ser hecho de diversas clases de madera debido a su durabilidad creciente, y hoy, su cuerpo se construye de la madera del jackfruit árbol. Se cree extensamente que tabla, las contrapartes musicales indias del norte de los mridangam, primero fueron construidas partiendo un mridangam por la mitad. Con el desarrollo del mridangam vino la evolución del tala sistema (rítmico). El sistema de talas (o de taalams) en al sur indio Música de Carnatic puede ser el sistema de percusión más complejo del ritmo de cualquier forma de música clásica.
El mridangam es un tambor de doble cara de las cuales cuerpo se hace generalmente usando un pedazo ahuecado jackfruit madera alrededor de una pulgada gruesa. Las dos bocas o aberturas del tambor se cubren con a cabra piel cuero y atado el uno al otro con las correas de cuero alrededor de la circunferencia del tambor. Estas correas se ponen en un estado de la alta tensión para estirar hacia fuera las membranas circulares de cualquier lado del casco, permitiendo que resuenen cuando están pulsadas. Estas dos membranas son disímiles en anchura permitir la producción de ambos bajo y triple sonidos del mismo tambor.
La abertura baja se conoce como el “thoppi” o el “bhaaga del eda” y la abertura más pequeña se conoce como el “valanthalai” o “bhaaga del bala”. La membrana más pequeña, cuando está pulsada, produce sonidos más arriba echados con un timbre metálico. La abertura más ancha produce sonidos más bajo echados. La piel de la cabra que cubre la abertura más pequeña se unta en el centro con un disco negro hecho de la harina del arroz, del polvo férrico del óxido y del almidón. Esta goma negra se conoce como el “sAtham” o “karnai” y da a mridangam su timbre metálico distinto. La combinación de dos membranas circulares no homogéneas permite la producción de armónicos únicos y distintos. Iniciar el trabajo sobre las matemáticas de estos armónicos fue hecha por el físico que ganaba del premio Nobel.

Kartal
Este instrumento es utilizado para acompañar la música devocional. Está compuesto por dos piezas de madera con pequeños címbalos, y se tocan con una sola mano.
Kartal son un par de bloques de madera o marcos con cascabeles metálicos pequeños montados en ellos. Son dos piezas juntas iguales  que  proporcionan un soporte rítmico a Ganesha, kirtan, música popular y de luz. El término Kartal  se aplica también a Palabras de madera

En Manipur (noreste de la India) el término “Kartal” se utiliza para un amplio conjunto de Manjira. Este es un instrumento muy diferentes y no debe confundirse con la Kartal,  más común.
Tasha
Este instrumento es utilizado principalmente en procesiones y festividades. Tasha es un instrumento musical que se toca con dos palos de bambú delgados. El instrumento se utiliza principalmente en el distrito de Sambalpur, y se emplea  para crear una atmósfera de terror,  miedo y también para dar  emoción en las canciones folclóricas.

Pambai
Este instrumento, al igual que el Tasha, es utilizado en procesiones y festividades. Pambai es un instrumento de percusión  Kerala y es similar al Dholak.

Está hecho de cuero, cubierto a ambos lados por otro registro de una pequeña  madera hueca. El centro del instrumento es de menor anchura que a  los lados. Otro nombre que se emplea es “Urumi” .

Acompaña a las procesiones  Bhagavati / Mariamman, especialmente en el distrito Kasargod , y en  Karakattam.
Dholak
El Dholak se utiliza como acompañamiento en la música devocional, folklórica (como Bhajan y Qavvali) y también para la danza (como por ejemplo Bhangra).
Un dholak puede tener templar tradicional del cordón o del torniquete. El dholak tiene una membrana simple y una manija en el lado derecho. La membrana izquierda tiene una capa especial en la superficie interna. Esta capa es una mezcla del alquitrán, de la arcilla y de la arena (masala del dholak) que baja echada y proporciona un tono bien definido.


La madera usada para la membrana se hace generalmente de la madera de la teca, también conocido como madera del “sheesham”. El proceso de ahuecar hacia fuera el tambor es la determinación del sonido y de la calidad del dholak.
Un dholak tiene 2 cabezas a la pieza pequeña para la alta echada, y la parte grande está para la echada baja y ha echado dependiendo de tamaño y de sonar que templaba como a bongo en jugar modo.
El dholak es de uso frecuente adentro Filmi Sangeet o música india de la película. También se utiliza extensivamente adentro música de la salsa picante, gana del baithak, y tan que canta, la música india local del Caribe. Es el instrumento principal junto con el harmonium traído por indentured a inmigrantes a Suriname, Guyana y Trinidad y Trinidad y Tobago. En las Islas Fiji, El dholak es ampliamente utilizado para bhajans y kirtans.
En muchos de comunidades indias, tradicionalmente, los niños cantan y bailan en el golpe del dholak durante festividades de la pre-boda. El dholak proporciona un acompañamiento interesante para las líricas traviesas de las canciones tuvo como objetivo abashed novia-a-es.
Chenda
Este es un instrumento típico del sur de la India, hecho en madera con parches de cuero. Su sonido se puede escuchar a kilómetros de distancia.
El Chenda (pronunciado [tʃeɳʈa]) es un instrumento de percusión cilíndrico utilizado ampliamente en el estado de Kerala, India. También se utiliza en algunas partes de Karnataka, donde se le llama  Chande.

El chenda es practicado sobre todo como acompañamiento en las formas de arte religioso hindú del Kerala. El chenda se utiliza como acompañamiento del Kathakali, Koodiyattam, Kannyar Kali y entre muchas formas de danzas y rituales del Kerala. Aunque también se toca en una danza-dramática llamada Yakshagana,  que es popular en Karnataka. Tradicionalmente se ha considerado como un ‘Asura Vadyam’ que significa que no puede ir en armonía.

Un chenda está hecho de un tambor cilíndrico de madera, y tiene una longitud de 2 metros y un diámetro de 1 pie. Ambos extremos están cubiertos (por lo general con piel de vaca). El chenda está suspendido desde el cuello del intérprete para que cuelgue verticalmente. El uso de dos palos, el percusionista  golpea el pergamino superior. Este instrumento es famoso por su sonido fuerte y rígido .
Los diferentes tipos de Chenda

* Uruttu chenda – para tocar variaciones.
* Veekku chenda – uno que lleva un ritmo de base.
* Chenda Acchan
Mandar
El Mandar está hecho con dos parches de cuero y un cuerpo de arcilla. Es un instrumento característico de algunas zonas rurales del norte de la India, y es utilizado en la música semiclásica.



Khol

Este instrumento es también llamado mridanga, por estar hecho de un cuerpo (“anga”) de arcilla (“mrid”), y es típico de la zona de Bengala, en el extremo este de la India. Se utiliza casi exclusivamente en música devocional.

Fuente: http://www.rasikananda-das.com.ar
http://www.wordlingo.com

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con

Ustad Zakir Hussain

Concierto en directo: Festival de Música Savai Gandharva, en el año 1992.

El intérprete de bansuri* internacionalmente conocido, Pandit Hariprasad Chaurasia, nació el 1 de julio de 1938 en Allahabad. Es un maestro en el arte de tocar la flauta de bambú india, que se esfuerza en hacer llegar a la gente la música clásica de su país.

A los 4 años, Hariprasad Chaurasia pierde a su madre. Su padre quería que su hijo se interesase por la lucha, él lo era, pero siente enseguida inclinaciones por la música. Aprende música casi en secreto y la practica con un amigo suyo. Sin embargo, tuvo que asistir a las clases de lucha obligado por su padre. Bajo el atuendo de luchador fue adquiriendo una gran resistencia que le ayudó a tocar la flauta, lo cual necesita de una gran energía física.

A los 15 años aprende música con un vecino, PT. Rajaram, comenzando a tocar la flauta bajo la dirección de PT. Bholanath, de Varanasi. Toca en un programa de radio de All India, y despuís aprende música con Smt. Annapurna Devi, la hija de Baba Allaudin Khan. Adquirió un inusitado control de la flauta y en la técnica de la respiración, motivo por el cual es admirado en todo el mundo.

Ha dado conciertos por todo el mundo e interpretado con otros reconocidos músicos. Ha sido director artístico del Conservatorio de Música de Rootterdam, ha compuesto bandas sonoras para películas de Bollywood, como “Lamhe”, “Faasale”, “Chandni”, “Silsila”, “Darr”, etc. Por su labor ha recibido numerosos premios, como el de la Academia Sangeet Natak. Padma Bhushan, Padma Vibhushan, Yash Bharati y otros muchos.

  • El bansuri o flauta de bambú es un instrumento tradicional de la India que fue adaptado en el siglo XX para interpretar la música clásica hindú. Puede tener seis o siete agujeros. Estas flautas se afinan en una tonalidad que da la nota principal cuando se tapan los tres agujeros de la parte superior. El bambú usado es de muy poco espesor y a veces se refuerzan los bordes con anillos metálicos.
  • Nace en el norte de la India. El bambú, muy liviano, se elige sin nudos. El añadido de un orificio más al bansuri se debe a Pannalal Ghosh, lo cual permite realizar adornos y aumentar su tesitura.
  • Posee un registro de aproximadamente 3 octavas. Los orificios no se tapan con las yemas de los dedos, sino con la parte media de los dedos, para así lograr una posición más relajada, y también permite tapar sólo medio orificio y lograr mayor flexibilidad en los adornos. Los dedos anulares tapan con la yema.
  • Hay dos sistemas: el del norte de la India y el Carnático. Este último utiliza un bansuri de ocho orificios.
  • Otros nombres por los que se conoce el bansuri en India son bansi y murali.

Hace sólo unos 60 años que la Flauta se introdujo en el mundo de la música clásica de la India. Es uno de los instrumentos más antiguos y característicos de la música India. Se conservan textos y obras de arte de la época Védica (1000 años A.C.), dónde se muestra este instrumento especialmente en las ceremonias y actos. Personajes como Lord Krishna, aparecen junto con el bansuri. También es conocida como instrumento de música folk, para festivales populares y como compañera de los pastores que guardan rebaños de vacas. Esta flauta era pequeña, de unos 15 a 20 cm.

El Orígen de la Música Hindú

El orígen de la música hindú se remonta en tiempos de los Vedas. Es música religiosa de los Templos, para adorar a los Dioses y de aquí fue evolucionando hasta  llegar a lo que ahora se llaman (Ragas). En la India hay dos tipos de música clásica, una del norte y la otra del sur, nosotros expondremos las características de la música clásica del Norte. Toda la música clásica hindú está dividida en (Ragas). Hay 10 Ragas que son consideradas principales y las demás surgen de estas 10 Ragas.

Los antiguos escritos sagrados védicos nos enseñan que, existen dos tipos de sonido. Uno es una vibración del éter, el aire más elevado o más puro. Este sonido se llama “Anahata Nad” o sonido no tocado, buscado por los yoguis de gran cultura, sólo ellos pueden escucharlo; este sonido del Universo es la vibración . El otro sonido “Ahat Nad”o sonido tocado, es la vibración del aire en la atmósfera baja más próxima a la tierra; es cualquiera de los sonidos que podemos escuchar en la naturaleza, o sonidos- musicales o no- producidos por el hombre.

La tradición de la música clásica hindú es oral. El Guru, le enseña al discípulo, de forma mucho más directa que como se da en la enseñanza tradicional de occidente. El verdadero centro de la música hindú  es la “Raga”, la forma melódica sobre la cual improvisa el músico. Esta estructura está determinada por la tradición e inspirada por el espríritu creativo de los grandes Maestros.

En la India la ejecución de las artes – música, danza, teatro y poesía-, se basa en el concepto de “Nava Rasa” o los “nueve sentimientos”. Literalmente “rasa”, significa “jugo” o “estracto” pero aquí, en este contexto hemos de entenderlo en el significado de “emoción” o “sentimiento”. El orden reconocido de estos sentimientos es el siguiente. “Shringara” (romántico), “Hasya” (humorístico), “Karuna” (patético), “Raudra” (rabia), “Veera” (heroico), “Bhyanaka” (temeroso), “Vibhatsa” (repugnante), “Adbhuta” (estupor), “Shanta” (serenidad).

Cada “Raga” está dominada principalmente por una de estas nueve “Rasa” aunque el intérprete también puede revelar otras emociones de una forma menos notória. Cuando más próximas son las notas de una “Raga” a la expresión de una idea única o emoción, más irresistible es el efecto de la “Raga”.

    Además  de estar asociado a un estado de ánimo especial, cada “Raga” está también conectada a una hora especial del día, o a una estación del año. El ciclo del día y la noche, así como el ciclo de la vida. Cada parte del día, el alba, el mediodía, la tarde, el anochecer y la noche profunda, está asociado a un sentimiento definido. La explicación del tiempo asociado a cada “Raga” se puede encontrar en la naturaleza de las notas que le comprenden, o en las anécdotas históricas referidas a la “Raga”.

    Pero una “Raga” no es simplemente una faceta de la estructura ascendente-descendente. Tiene que poseer su “Chalan”, o ciertas notas tipo, características de la “Raga”.

    La nota principal importante “Vadi”; la segunda nota importante “Samavadi” y la estructura principal conocida por “Jan” (vida) o “Mukhda” (cara), un grupo de unas cuantas notas por medio de las cuales puede ser reconocida inmediatamente.

    En términos estéticos, una “Raga” es la proyección del espíritu profundo del artista: la manifestación se sus sentimientos y sensibilidades más íntimas, que afloran a través de los tonos y las melodías. El intérprete ha de dar vida a cada “Raga”, mientras la desarrolla y la extiende. Puesto que el noventa por ciento de la música hindú ha de ser improvisada- y también porqué depende muchísimo de la comprensión del espíritu y los matices del arte-, la relación entre artista y su Maestro es la clave de esta antigua tradición.

    Desde el principio, el intérprete aspirante necesita de una atención individual y especial para llegar al punto de maestría artística. La única aura de la “Raga” (deberíamos decirle “alma”), es la calidad espiritual y la forma de expresión: y esto no puede ser aprendido en ningún libro.

    El carácter de improvisación de la música hindú requiere que el artista tenga en cuenta el lugar, la hora del recital, su estado de ánimo y el sentimiento que percibe en el público antes de tocar, Siendo la música hindú de origen religioso, es también espiritual su interpretación.

    El recital tradicional empieza con la sesión “Alap” — exploración tranquila y majestuosa de la “Raga” escogida–. Después de este comienzo lento, introspectivo, sincero y a veces triste, el intérprete continua con el “Jor”. En esta parte, empieza y se desarrolla el ritmo, con innumerables variaciones sobre el tema básico de la “Raga”.
    Aún no hay acompañamiento de Tablas.

    El “Alap” y el “Jor” se desarrollan en el “Gat” , la composición fija de una “Raga”. Aquí las Tablas entran en la maravillosa estructura rítmica del “Gat” (estructura entre 6 hasta 16 compases, que se denominan Talas), se convierte en el tema a través del cual debe volver el intérprete después de su improvisación.

    El intérprete tiene completa libertad para improvisar: pero puede hacerlo siempre que no salga del formato de la “Raga” y de la “Tala”. Esta libertad, dentro de los límites de la disciplina artística, sólo se asume después de muchos años de preparación y “Sadhana”. Esta es la razón por la cual honestamente no se puede comparar la improvisación en la música hindú con la improvisación en el jazz.

    La aceleración, paso a paso, del ritmo en el “Gat”, culmina finalmente en el “Jhala”, que lo convierte en más interesante y melódico. “Sawal Jabab”, el sorprendente y rápido diálogo entre la Flauta y las Tablas, tiene el poder de encantar, con su mutua y penetrante interpretación, hasta el oyente menos iniciado.

    Fuentes: Himalaya Tirtha

    Kaypacha

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Dawn (raga kirwani),

interpretado conjuntamente con el músico hindú Pandit Vishwa Mohan Bhatt,

donde se produce una fusión entre la música árabe y la música de la India.

Blue Flame

(Titulo no disponbile)

Waving Sands

del disco Turath

Taqsim árabe y el oud (laúd árabe)

El autor de esta obra es el famoso músico turco Jamal bek Al-Tanbori,

interpretada por Simon Shaheen y su banda.

Simon Shaheen

Simon Shaheen (en árabe: سيمون شاهين) es un músico que toca el oud, pero también el violín; es musicólogo y director de orquesta de origen palestino que vive y trabaja en Nueva York. Es conocido por su generosidad en su disposición a realizar fusiones musicales con los artistas de diferentes partes del mundo.

Nació en la aldea de Tarshiha, en Galilea. A los 2 años se trasladó con su familia a Haifa, pero pasaba los fines de semana en Tarshiha, una ciudad árabe iraelí. Hijo de un músico de talento que también tocaba el oud, pasó su niñez y adolescencia en un ambiente musical propicio.

Aprende a tocar el laúd árabe ( عود), oud, a los 5 años de edad, después el violín. Ingresa en la Universidad de Tel Aviv, donde estudia literatura árabe y musicología, así como práctica instrumental.

Termina sus estudios en la Universidad Hebrea de Jerusalem. Después de su graduación en 1978 es nombrado profesor de música árabe.

En 1980 emigra a los Estados Unidos. Estudia música en la Escuela de Música de Manhattan y en la famosa universidad de Columbia, obteniendo con posterioridad la ciudadanía estadounidense.

Ha trabajado conjuntamente con artistas de prestigio como Wadi Al-Safi y Sabah Fakhri.

Su virtuosismo sobrepasa el marco técnico de la interpretación tradicional de los virtuosos del oud, con el peligro de quedar engullido en la marea de las llamadas músicas del mundo, como les ocurrió a los hermanos Joubran. Simon Shaheen ha logrado integrar la música como un pasaporte, una búsqueda de la paz en un mundo en guerra. Su música resuena en cualquier lugar, sea entre el mundo árabe u otro rincón.

Fuente: musicaarabe.com

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